Ce cycle pourrait être qualifié de petite Odyssée de la respiration, qui passe par transformation acoustique du corps-espace au corps-matière et au corps-instrument de la tradition. Il raconte un voyage, un voyage de retour. La pièce reprend la tradition des poèmes du cycle épique qui décrivent le retour des Grecs dans leur patrie après la prise de Troie. C'est l'alto qui raconte, à la fois voix narratrice et lieu du voyage. Partant d'un espace acoustique élargi, on assiste à un lent retour à l'instrument, à la séparation de celui-ci et à une nouvelle naissance. I – lassù pour alto solo préparé et amplifié (2010-2011) lassù est une pièce de quarante minutes environ pour alto solo préparé, sans modification électronique de quelque nature que ce soit, à part l'amplification. La prise de son est effectuée par deux microphones de contact et deux microphones miniatures, montés à l'intérieur de l'instrument. L'interprète joue à cinq ou six mètres au dessus du niveau du sol, sur un support à définir en fonction des possibilités offertes par l'architecture, le son étant diffusé tout autour du public par six moniteurs. La préparation était pour moi un moyen de potentialisation de l'écoute, en particulier de l'écoute focalisée sur les seuils et les limites. Elle a été développée à partir de la fonction du chevalet, donc d'un seuil physique bien réel, qui met les cordes en communication avec le corps de l'instrument. En ajoutant d'autres seuils, j'ai multiplié les différenciations acoustiques possibles, jusqu'à ce que se dessine une autre cosmophonie totalement inconnue jusqu'alors. Je suis parti de la périphérie extrême de la galaxie de l'alto, une ligne diffuse, une lamentation d'infini. De ceci naquit une énigme – un rite à célébrer acoustiquement pour accéder au son qui anime les choses. Une exploration du corps-instrument en tant que médium et par là de l'acte de jouer en tant qu'acte magique. Par l'intermédiaire des microphones, l'alto révèle une peau extrêmement sensible, chaque geste nécessitant la plus grande attention. À la manière d'un acrobate, le musicien grimpe, part à l'escalade de l'instrument: l'archet est son bâton et le corps de l'instrument devient le centre à partir duquel les différents lieux de l'espace environnant sont indiqués. Acoustiquement parlant, l'intérieur de l'alto est à l'écoute de ce qui se passe à sa surface extérieure et qui résonne, encore plus loin, par l'intermédiaire des moniteurs. L'espace architectural tout entier devient l'intérieur de l'alto qui se contient lui-même et nous avec lui, poumon et respiration à la limite du souffle même. Une respiration qui vient de loin pour devenir musique, amenant l'écoute et l'être à coïncider de manière inattendue. La préparation a ouvert un trou béant dans la cathédrale de la tradition des instruments à cordes (La); cette ouverture a libéré une nouvelle perspective d'écoute, le son retrouvant peu à peu une orientation (Si bémol). L'ovale à travers lequel Giambattista Tiepolo découvre le ciel, dans la fresque de la salle du trône de la Ca' Rezzonico de Venise, Allégorie du mérite, de la noblesse et de la vertu, extérieur d'un intérieur, se transforme au cours du parcours musical en une ouverture, percée diagonale comme celle que l'artiste italo-américain Gordon Matta-Clark réalise dans les palais en cours de démolition: on y montre l'intérieur d'un extérieur. À l'approche de la terre, la tension augmente, devenant frottement (Do) conduisant à l'atterrissage instable sur la 4ème corde non préparée (Ré): de l'aigu au grave donc, et retour, transformant le nouvel aigu en un seuil énergétique (Mi) au-delà duquel (Fa bémol) les doigts et la maîtrise n'influent plus; pour aboutir finalement à un temps diffus (Fa) et de là à un nouvel espace, l'espace acoustique global (salle/église), qui nous accueille (Sol, voix à l'arrière-plan et conclusion). La pièce est donc une percée guidée, une forme qui nous fait prendre conscience que tout sonne, ou peut-être que le son du tout